FRANCK BOHBOT

Franck Bohbot è un fotografo francese il cui lavoro nasce dal desiderio di preservare luoghi che hanno una storia: spazi che custodiscono le tracce del tempo, dell’identità e della presenza umana. Dall’architettura all’artigianato fino alle scene di vita quotidiana, le sue fotografie esplorano il modo in cui i luoghi plasmano la memoria e come la luce possa trasformare il familiare in qualcosa di cinematografico.



La sua pratica si distingue per una forte attenzione all’illuminazione, all’atmosfera, alla composizione e al colore. Bohbot affronta ogni luogo al tempo stesso come osservatore e come archivista, raccogliendo frammenti del mondo così come lo vede. Il suo lavoro si colloca spesso tra osservazione documentaria e immaginario cinematografico, trovando poesia in luoghi e momenti che altrimenti passerebbero inosservati.



Il lavoro di Bohbot è regolarmente pubblicato a livello internazionale, tra cui su The New York Times, Architectural Digest, National Geographic, Vogue, Wired, New York Magazine, El País, Beaux-Arts e numerose altre testate internazionali. Le sue opere sono state inoltre esposte e pubblicate in volumi, tra cui la monografia Light on New York City e Back to The Arcade. Nato a Longjumeau, nella periferia di Parigi, nel 1980, Bohbot ha vissuto e lavorato a New York, Los Angeles e Parigi. Continua a sviluppare progetti personali accanto a incarichi editoriali e commerciali, esplorando la cultura giovanile, la vita urbana, l’architettura, la memoria e le qualità cinematografiche degli spazi quotidiani.

Giorno 1 — Vedere il luogo

Introduzione alla pratica fotografica di Franck Bohbot e revisione dei lavori dei partecipanti. La prima giornata è dedicata all’osservazione e alla scoperta del potenziale fotografico dei luoghi ordinari. I partecipanti esplorano Venezia attraverso il colore, l’architettura, le texture, i riflessi e la luce che cambia, imparando a individuare un’immagine possibile prima di premere il pulsante di scatto.

Giorno 2 — Costruire l’immagine

La seconda giornata è dedicata alla composizione, alla luce e alla presenza umana. I partecipanti imparano a definire un’inquadratura e ad attendere l’elemento che la completa: una persona, un gesto, un’ombra, un riflesso o un cambiamento di luce. Attraverso esercizi su inquadratura, scala, geometria, spazio negativo e anticipazione, esplorano come creare fotografie che risultino osservate piuttosto che forzate.

Giorno 3 — Sviluppare l’immagine

La terza giornata è dedicata all’editing, allo sviluppo del colore e alla messa in sequenza. I partecipanti lavorano sulle proprie fotografie per esplorare come colore, contrasto, valori tonali, luci e ombre definiscano l’atmosfera dell’immagine finale, quindi selezionano e ordinano una serie di 8–10 immagini con una voce personale coerente.

Giorno 4 — Condividere il lavoro

L’ultima mattinata è dedicata alla presentazione collettiva dei lavori dei partecipanti nell’auditorium del festival, insieme agli altri workshop, seguita da una discussione conclusiva e da una riflessione condivisa. Il workshop termina intorno alle 13:00.

• Imparare a riconoscere il potenziale cinematografico ed emotivo dei luoghi quotidiani
• Sviluppare un approccio personale al colore, all’armonia e all’atmosfera visiva
• Leggere la luce naturale e artificiale come elementi creativi e narrativi
• Costruire composizioni attraverso l’architettura, la geometria, la profondità e lo spazio negativo
• Usare la presenza umana per introdurre scala, ritmo e narrazione in una scena
• Sviluppare un’immagine dall’osservazione e dallo scatto fino all’editing e allo sviluppo del colore
• Selezionare e mettere in sequenza le fotografie per creare una storia visiva personale e coerente

• Rafforzare l’osservazione e l’intuito fotografico
• Sviluppare un linguaggio visivo personale
• Migliorare la composizione, l’inquadratura e la percezione dello spazio
• Usare il colore come elemento sia strutturale sia emotivo
• Sviluppare pazienza, capacità di anticipazione e senso del tempo
• Sviluppare un approccio coerente al colore, alla luce e all’atmosfera in post-produzione
• Rafforzare l’editing, la messa in sequenza e la presentazione di una serie fotografica

Fotografi, artisti visivi e creativi che desiderano sviluppare un approccio più personale e cinematografico alla fotografia. Il workshop si rivolge a fotografi interessati al colore, all’architettura, alla luce, alla fotografia di strada, alla fotografia di viaggio e alla narrazione visiva, che vogliono andare oltre la semplice documentazione di ciò che vedono.

• Uso autonomo di una fotocamera digitale
• Un corpo macchina digitale con un obiettivo zoom versatile (ad es. 24–70/105 mm) o una selezione di obiettivi fissi
• Schede di memoria e un hard disk portatile per i backup
• Un computer portatile o un iPad con caricabatterie
• Software di post-produzione installato e pronto all’uso (ad es. Adobe Lightroom, Capture One)
• Una selezione di 5 immagini personali da inviare prima del workshop

• Il workshop completo: da giovedì 15 aprile 2027 alle 14:30 a domenica 18 aprile 2027 alle 13:00.
• 3 colazioni, 3 cene, 2 cocktail
• Accesso alla serata di chiusura
• Eventuali prestiti di attrezzature
• Accesso a tutti i siti turistici o luoghi di interesse previsti nell’ambito del workshop

• Trasporto di andata e ritorno per Venezia e San Servolo
• Il pass ACTV e i tragitti in vaporetto necessari per l’intera durata del workshop
• Alloggio: sono disponibili camere in loco a San Servolo; in caso contrario, sarà necessario organizzare il proprio alloggio a Venezia
• Il pranzo è a carico dei partecipanti: a San Servolo è presente una caffetteria
• Vaporetti e altri taxi acquei al di fuori delle escursioni previste nell’ambito del workshop
• Tutte le coperture assicurative per smarrimento o furto del bagaglio, ritardo o cancellazione dei mezzi di trasporto, furto o rottura dell’attrezzatura durante il workshop

• Valutazione continua attraverso feedback individuali giornalieri e discussioni di gruppo
• Presentazione finale del lavoro di ogni partecipante durante la proiezione collettiva
• Modulo di valutazione e autovalutazione di fine sessione per misurare la soddisfazione e i risultati di apprendimento.
• Accesso a un gruppo di ex studenti condiviso per il dialogo post-workshop e lo scambio creativo

I lavori dei partecipanti potranno essere presentati attraverso i canali di comunicazione di Venezia Photo (newsletter, sito web, social media).

Un gruppo privato online permetterà ai partecipanti di rimanere in contatto, condividere progetti e continuare le discussioni anche dopo il workshop.

Verrà fatto il possibile per accogliere i partecipanti con disabilità. Vi preghiamo di contattarci in anticipo per eventuali adattamenti.